Mais comment passe-t-on réellement d'un modèle façonné par le sculpteur à une œuvre en bronze ? Voici les principales étapes de ce savoir-faire.
Tout commence par le modèle du sculpteur
Bien avant la coulée du bronze, la sculpture naît entre les mains de l'artiste. Le sculpteur réalise d'abord un modèle dans une matière qui lui permet de construire les volumes, de modifier une posture ou encore de travailler l'expression d'un visage. L'argile est notamment fréquemment utilisée pour cette première étape. Chez Bruno Catalano, cette relation avec le modelage est essentielle. L'artiste s'initie au travail de l'argile au début des années 1990 avant de se former progressivement aux techniques permettant de transposer ses créations dans le bronze. Son parcours illustre parfaitement le dialogue qui existe entre le geste initial du sculpteur et le travail extrêmement précis de la fonderie. Le modèle constitue ainsi le point de départ de l'œuvre : il contient déjà la posture, les proportions et l'expression que l'on retrouvera dans la sculpture définitive.
Le moulage : conserver l'empreinte de l'œuvre
Une fois le modèle terminé, un moule est réalisé afin d'en reproduire fidèlement chaque détail. Dans la technique dite indirecte de la cire perdue, ce moule permet de conserver le modèle original et d'obtenir une reproduction en cire. Cette méthode est particulièrement importante lorsque l'œuvre doit ensuite être réalisée en plusieurs exemplaires dans le cadre d'une édition limitée. Le moule sert ensuite à produire une nouvelle version de la sculpture, cette fois en cire. Cette étape donne son nom au procédé. La cire reproduit la forme de l'œuvre et peut encore être minutieusement retravaillée avant la fonte. Les éventuelles imperfections sont corrigées, certains détails sont repris et la surface est contrôlée. Autrement dit, la cire n'est pas simplement une étape industrielle : elle constitue un moment essentiel dans la fabrication artistique de la sculpture.
Pour des œuvres complexes comme Les Voyageurs de Bruno Catalano, caractérisées par leurs corps fragmentés, leurs ouvertures spectaculaires et leurs équilibres parfois presque impossibles à première vue, cette précision prend une importance particulière. Le moule doit restituer aussi bien les grands volumes que les détails les plus subtils : plis d'un vêtement, traits du visage, texture d'une surface ou empreintes laissées par le travail de l'artiste. C'est l'une des raisons pour lesquelles la cire perdue reste particulièrement appréciée en sculpture : elle permet de reproduire des compositions complexes avec une grande finesse.
Pourquoi parle-t-on de “cire perdue” ?
Autour de la reproduction en cire est installé un réseau de conduits qui permettra ensuite au métal de circuler et à l'air de s'évacuer. L'ensemble est ensuite entouré d'un matériau réfractaire capable de résister à la très haute température nécessaire à la fonte du bronze. Lorsque ce moule est chauffé, la cire fond et disparaît. Elle laisse à l'intérieur une cavité qui reproduit exactement la forme de la sculpture.
C'est cette disparition qui explique l'expression “cire perdue”.
Le bronze en fusion pourra ensuite prendre précisément la place occupée auparavant par la cire. Le Musée Rodin décrit ainsi la transformation du réseau de cire en différents conduits destinés à l'évacuation et à l'arrivée du bronze lors de la coulée.
La coulée : quand le bronze prend la place de la cire
Vient ensuite l'une des étapes les plus impressionnantes : la coulée du bronze en fusion. Le métal est porté à très haute température puis versé dans le moule. Il circule dans les espaces laissés libres par la cire et épouse progressivement la forme de la sculpture. Une fois le bronze refroidi et solidifié, le moule réfractaire est détruit pour libérer la pièce. La sculpture apparaît alors pour la première fois dans sa matière définitive. Pour les œuvres importantes ou particulièrement complexes, différentes parties peuvent être coulées séparément avant d'être assemblées. La réalisation d'une sculpture en bronze implique donc un véritable dialogue entre création artistique et maîtrise technique.
Ciselure et finitions : faire disparaître les traces de la fonte
La sortie du moule ne signifie pourtant pas que la sculpture est terminée. Les conduits ayant servi à faire circuler le bronze doivent être retirés. Les différentes parties sont éventuellement assemblées et soudées, puis commence un travail extrêmement minutieux de ciselure. Le fondeur reprend la surface du bronze afin de retrouver la précision du modèle initial et de faire disparaître les traces techniques de la fonte. C'est ici que le savoir-faire artisanal devient presque invisible : lorsque le travail est achevé, le spectateur ne doit plus percevoir les différentes opérations qui ont été nécessaires pour parvenir à la sculpture finale.
La patine : donner sa couleur au bronze
La dernière grande étape est celle de la patine.
Contrairement à ce que l'on pourrait imaginer, la couleur d'une sculpture en bronze n'est pas nécessairement celle du métal brut. Différents produits sont appliqués sur sa surface et provoquent une oxydation contrôlée. Selon les traitements utilisés et le travail du patineur, le bronze peut ainsi prendre des nuances brunes, noires, vertes, bleues ou beaucoup plus lumineuses. La patine joue un rôle essentiel dans l'identité visuelle d'une sculpture. Un même modèle peut produire des impressions très différentes selon la profondeur, les contrastes ou les nuances choisies. Cette dimension est particulièrement visible dans les œuvres de Bruno Catalano, dont les vêtements, les visages, les bagages et les différents éléments des Voyageurs peuvent être animés par une grande richesse de couleurs et de textures.
Bruno Catalano : quand la cire perdue participe à la naissance des Voyageurs
Chez Bruno Catalano, la technique du bronze est particulièrement liée à l'évolution de son langage artistique.
Après ses premiers modelages en argile, l'artiste apprend au début des années 2000 la technique de la fonte à la cire perdue, qui lui permet de transformer ses sculptures en bronze. Quelques années plus tard, un événement technique va jouer un rôle déterminant dans son travail. En 2004, lors d'une coulée, une partie d'une sculpture disparaît accidentellement. Plutôt que de considérer cette rupture comme une simple erreur à réparer, Bruno Catalano s'intéresse au vide qu'elle crée dans le corps.
Cette brèche devient progressivement un véritable langage artistique.
Naissent alors les silhouettes fragmentées aujourd'hui indissociables de son œuvre : Les Voyageurs. Une partie du corps semble disparaître tandis que la figure continue pourtant de tenir debout, souvent reliée par une valise devenue à la fois élément plastique et symbole du déplacement. Le bronze, matériau traditionnellement associé à la masse et à la permanence, se trouve ainsi confronté au vide. Cette opposition entre solidité et absence, matière et espace, présence et disparition constitue l'une des particularités les plus fascinantes des sculptures de Bruno Catalano.
La sculpture en bronze occupe une place importante dans la sélection de la Galerie De Medicis, Place des Vosges à Paris.
Aux côtés des Voyageurs de Bruno Catalano, la galerie présente notamment les œuvres de Dominique Rayou, dont plusieurs sculptures en bronze numérotées sont elles aussi réalisées selon le procédé de la cire perdue.
Le bronze apparaît également dans le travail d'Arman, figure majeure du Nouveau Réalisme, dont certaines sculptures disponibles à la Galerie De Medicis témoignent d'une approche radicalement différente de ce même matériau.
Un même matériau peut ainsi donner naissance à des écritures profondément différentes : figures traversées par le vide chez Bruno Catalano, formes organiques et fragments du corps chez Dominique Rayou, détournement et accumulation d'objets chez Arman.
